Isabelle Mergault es la artífice del guión y la dirección de este film galo que viene avalado por casi tres millones de espectadores en Francia y 14 millones de euros de recaudación en taquilla hasta el momento. Para que luego digan que los franceses sólo saben ver “Asterix y Obelix”.

Mientras nos llegan noticias del estreno del último film de Kim Ki-duk, Bi mong (Dream), en la Sección oficial de la próxima edición del Festival de Cine de San Sebastián, la cartelera veraniega nos trae Aliento (Breath), la decimocuarta película del considerado chico díscolo del cine coreano.

Hace unos cuantos meses les hablaba en esta misma página de la película La Extraña que Hay en Ti, de Neil Jordan, donde Jodie Foster ejercía de justiciera a lo Charles Bronson en una fábula para muchos parafascista que, en realidad, era mucho más políticamente correcta de lo que aparentaba. El éxito relativo de la propuesta es el responsable de que en este preciso momento el subgénero de vengadores urbanos, tan de moda en las décadas de los setenta, ochenta y principios de los noventa, vuelva a la palestra en una coincidencia que de extraña tiene bien poco si echamos un vistazo a las noticias de cualquier periódico y, muy en especial, a cualquier entrega del programa Gente, donde toda una pléyade de protovigilantes amenazan a cada minuto con tomarse la justicia por su mano sin que a nadie parezca importarle lo más mínimo.

Escribir una crítica no rutinaria sobre una película como Paso de Ti, que lleva la rutina tatuada en el trasero a pesar de que los defensores del sobrevaloradísimo Judd Apatow, responsable desde su compañía Apatow Films (la originalidad del nombre ya lo dice todo) de taquillazos cómicos recientes como Virgen a los 40, Lío Embarazoso o Supersalidos, se empeñen en entronizar un estilo que en realidad no es tal, resulta tan difícil como que El Incidente de M. Night Shyamalan no cause ningún tipo de reacción, ya sea positiva o negativa, en un espectador. Precisamente todo lo contrario, la indiferencia absoluta, es lo que a mí casi siempre me causan las comedias producidas o dirigidas por el señor Apatow, todas tan cortadas por el mismo patrón que podrían empalmarse secuencias alternas de unas y de otras al azar y llegar crear con ellas una nueva película paradójicamente exacta a sus brutos.

Las premisas de muchas historias fantásticas suelen ser, paradójicamente, más realistas que las de aquellas historias que aspiran a hacerse eco de los hechos del mundo. Así es cómo una película del sesgo de Cobardes, de Jose Corbacho y Juán Cruz, que desde el punto de vista argumental se alimenta del tema de los abusos escolares, tan de moda como magnificados, termina convertida en una ficción torpe, adoctrinadora y muy poco afín a la realidad, mientras que una película en apariencia fantástica, como Tres Días, de Francisco Javier Gutiérrez, donde se plantea precisamente eso, el relato de tres días en las postrimerías del planeta tierra a causa de la llegada de un meteorito desnortado, consigue sobreponerse al carácter espectacular de su premisa narrativa para encontrar dentro de ella un inquietante pedazo de realidad; y ese pedazo, que moldea el núcleo temático y estructural de la historia, viene a decirnos una verdad como un templo: el hombre, incluso en las circunstancias más desesperadas, es capaz de seguir siendo un lobo para el hombre.

Afortunadamente, el látigo del Doctor Jones no ha fustigado tan fuerte como parecía y ha dejado algún resquicio para que, al menos, algún que otro título interesante se cuele en nuestra cartelera. Y lo del título, a la vista salta, es una afirmación rotunda. Brillantez exquisita en ese sentido para la nueva película de Sidney Lumet, octogenario realizador que, pese a sus ochenta y tantos, vuelve a demostrar que la edad no es una tara para conservar un pulso "endiablado". No obstante, con credenciales como Serpico o Tarde de perros en su bagaje, aquí se deshace de una etiqueta habitual en su filmografía, la judicial -como por ejemplo ha conservado hasta en su anterior proyecto Declaradme culpable-, para centrarse en otro tipo de juicios morales de carácter personal y familiar con ciertos tintes de moraleja bíblica.

Una decena de premios y el reconocimiento de festivales como Sundance han bastado para convencer a los exhibidores y distribuidores de cine españoles. Los Cronocrímenes, opera prima de Nacho Vigalondo, ha sufrido un auténtico calvario hasta llegar a estrenarse en el país de origen del director. No en vano, Vigalondo ha estado cinco años intentando que, su proyecto más personal, vea la luz en las salas de exhibición españolas. Como el propio director aseguró “ya es curioso que una persona nacida en el año setenta y siete estrene su película con setenta y siete copias”. El cantabro es responsable de cortometrajes como Choque (2005), donde ya compartía cartel con su actriz fetiche hasta el momento, Bárbara Goenaga, y el nominado a los Oscars 7:35 de la mañana (2003), que le dio definitivamente a conocer tras el paso por programas de infausto recuerdo como Crónicas Marcianas.

Con todos los palos que le han caído a este título, me parece navegar contracorriente y ser uno de los pocos valedores de esta cinta de Mike Barber, un director asentado en la normalidad y alejado de las extravagancias del que aún recordamos, no sé si por la exhuberante presencia de Scarlet Johansson, A good woman. En el presente caso, una vez más, el realizador navega por las aguas de la normalidad y se acerca al thriller desde algunos clichés propios de la fórmula en los que, no obstante, incide con desigual fortuna: una equilibrada dosificación de tensiones y calmas en sucesivas escenas, un giro final nuevamente iterativo y realmente innecesario, etc.

An American Crime, película de atmósfera muy áspera dirigida con mano también áspera por el hasta ahora experto en comedias Tommy O´Haver (Así es el Amor, Hechizada), narra la historia de una muchacha llamada Sylvia Likens que, tras haber sido dejada por sus padres al cuidado de una mujer con graves desequilibrios mentales de nombre Gertrude Baniszewski, sufrió toda clase de torturas y ultrajes a manos de sus hijos, de algunos amigos de éstos, y de la Baniszewski misma, en mitad de una América colorista y feliz muy similar a la retratada por George Lucas en American Graffiti. La comparación entre ambas películas, además de aportar un necesario toque de ironía al título que nos ocupa, resulta muy pertinente, porque, para ser honestos, en ella reside buena parte del interés del largometraje. En otras palabras: An American Crime funciona como el reverso tenebroso de American Graffiti, pero tanto el film de Lucas como el de O´Haver son tan americanos como ventilarse dos cajas de Dunkin Donuts viendo la final de la Superbowl en compañía de un tipo vestido de Elvis. Ni más ni menos.

El director español, Fernando Colomo, ha vuelto a las pantallas para hacer lo que mejor sabe: comedia. Su nueva película, “Rivales”, es una historia coral centrada en un partido de fútbol. Dos eternos enemigos, el Madrid y el Barça de una liga juvenil, se enfrentan a la final en Sevilla. Colomo, su ya inseparable Joaquín Oristrell e Inés París, ambos guionistas de la película, utilizan tan importante evento para rodar una road movie en la que los protagonistas se enfrentan a sus propias rivalidades, sea con sus hijos, con su pareja o con ellos mismos. Una vez más, la comedia española utiliza las desgracias y las frustraciones ajenas para sacarnos de nuestra propia cabeza. Como dijo Colomo en la rueda de prensa, “en esta película, no nos veremos reflejados a nosotros si no a nuestros vecinos o compañeros de trabajo”.

Frank Darabont, realizador de Cadena Perpetua y La Milla Verde, ya había demostrado con creces en ambas películas que el tándem creativo que forma con el escritor Stephen King funciona a las mil maravillas casi si necesidad de que ninguno de los dos pedalee. En su última obra al alimón, La Niebla (nada que ver con el film homónimo de John Carpenter ni mucho menos con su aciago remake estrenado el año pasado), la conjunción de talentos se confirma hasta obtener como fruto una criatura audiovisual muy por encima de la media de calidad del cine de terror contemporáneo.

Posiblemente cuando lean estas líneas ya habrán leído unas cuantas más plagadas de piropos esdrújulos hacia la labor como realizador y guionista del director de origen indio M.Night Shyamalan, responsable último de obras capitales del cine reciente como El Sexto Sentido, El Protegido o Señales. Y cuando hablo de “piropos” no me refiero a frases ingeniosas de obrero con las hormonas desatadas ensalzando sus méritos artísticos, sino, más bien, a lo contrario: retahílas de comentarios despectivos e hirientes deliberadamente diseñados para asaetear su proverbial egolatría y afán de trascendencia. Ocurrió con El Bosque en su momento (una obra maestra incomprendida por sus coetáneos, como todas las obras maestras), con La Joven del Agua (película que bajo su apariencia de delirio autoral mostraba una rebeldía creativa a prueba de bombas) y de forma inevitable ocurrirá ahora con este El Incidente, que continúa ahondando sin complejos en las miserias de una humanidad desamparada para, sin ofrecer ningún tipo de concesiones a la convencionalidad, narrar una historia tan desconcertante como compleja en su discurso.

En los últimos años, la factoría Marvel, que viene a ser al cómic lo que la Biblia para aquellos que a estas alturas todavía siguen creyendo en el altísimo, ha visto como algunos de sus personajes más emblemáticos, léase Spiderman, Daredevil, El Motorista Fantasma, o Los Cuatro Fantásticos, mordían el polvo en su lucha por adaptarse con dignidad a los avatares de la gran pantalla. La codicia de los grandes estudios, siempre dispuestos a sacrificar buenas historias, personajes y repartos en aras de un producto rápido, mascado y rentable, han ejercido, en este sentido, de villanos perfectos. Así es cómo dos actores carentes de todo carisma como Tobey Maguire y Ben Affleck lograron enfundarse las mallas del hombre sin miedo y el hombre araña, respectivamente, y cómo El Motorista Fantasma y Los Cuatro Fantásticos, cuyas historias nunca se caracterizaron por su tono infantil, quedaron reducidos a meras caricaturas desdibujadas de un pasado glorioso y algo kitsch.

Todos aquellos que hacia finales de los años ochenta programaban religiosamente sus videos de VHS a fin de no perderse ni un solo frame de las operaciones quirúrgicas que, con un afán divulgativo sólo equiparable a su extremo grado de realismo, retransmitía el ahora olvidado Doctor Beltrán en su programa En Buenas Manos, están de enhorabuena. Si hace unos cuantos meses veíamos en la tercera parte de Saw como el psicópata de la saga, Jigsaw, se sometía sonriente a una nada pudorosa intervención cerebral y, poco después, la película Turistas nos agasajaba con un transplante de riñón incluso más repulsivo, ahora es el debutante Joby Harold el que se empeña en rizar el rizo pergeñando una trama de lo más rocambolesca en cuyo núcleo nos topamos con una explícita, palpitante y harto grimosa, operación a corazón abierto no apta para los enfermos del mismo órgano, ni mucho menos, para cualquier espectador con problemas de hipocondría y/o desconfianza patológica en el sistema sanitario. Incluido Michael Moore.

Como no podía ser de otro modo, tengo que empezar el comentario de la última película de Manuel Gutiérrez Aragón dándole la enhorabuena al director torrelaveguense, y, además, por partida doble. Por un lado, por su cosecha de premios en el reciente Festival de Málaga, donde ha conseguido el Premio Especial del Jurado y el Premio al Mejor Actor de Reparto por la interpretación de Oscar Jaenada. Sin embargo, una vez visto el resultado final, me parece que los aciertos de esta propuesta, tan arriesgada como necesaria, no alcazan similares cotas que las auspiciadas por unas mejoras notables asequibles con otro planteamiento distinto.

El debut cinematográfico del curtido realizador televisivo David Von Acken (The Shield, Californication, Saving Grace, CSI: NY) no podría haber estado más alejado del espíritu su tiempo. La película, titulada entre nosotros Enfrentados aunque allende los mares responda al mucho más adecuado nombre de Seraphim Falls, es un western de aroma tan clásico que ha conseguido que la crítica lo compare con obras inmortales del género como el Colorado Jim de Anthony Mann, el Jeremiah Johnson de Sydney Pollack o El Fuera de la Ley de Clint Eastwood, pero lo cierto es que bajo la superficie de esta historia tan simple en su planteamiento como compleja en su relectura de una tradición dejada de la mano de Dios, hay mucho más que el ojo de un director con pulso narrativo y visual anacrónico, porque en realidad, Enfrentados contiene más posmodernidad en sus fotogramas de lo que uno aprecia a primera vista.

El director James Gray ya había dado muestra de su talento como hacedor de tragedias policíacas con ecos shakespearianos en sus dos películas anteriores: Little Odessa, (León de Plata en Venecia 1994 ) y la infravalorada La Otra Cara del Crimen (2000). Ocho años más tarde del estreno en España de este último film llega a las carteleras, y con un retraso considerable con respecto a su fecha de producción, la nueva propuesta de un director con un talento visual y narrativo inversamente proporcional al reconocimiento público de su impecable labor como cineasta.