| ||||||||||||||||||||||
Territorios del cine y de la mente | |||
| Calidad, sorpresa y expansiones definen esta edición del Festival de Sitges | |||
| |||
|
El cine, como otras artes, posee la capacidad de amplificar las intuiciones humanas -que a veces se presentan pequeñas o débiles-, referentes a la existencia o co-existencia de otros mundos en el nuestro: el mundo de la muerte, el mundo de la conciencia y el mundo de lo fantástico en el real, sea de forma tangible o inmaterial.Lo mencionábamos hace unos días en la primera de estas crónicas en relación a la lisérgica propuesta Holy Motors, y hoy volvemos a hacerlo con una sensación renovada de hallazgo, gracias a los films Aurora (Vanishing Waves, Kristina Buozyté), Animals (Marçal Forès) y Vous n’avez encore rien vu, el último film del veteranísimo Alain Resnais. Estos tres films, diversos entre sí en origen –Aurora es lituana, Animals catalana y Vous n’avez encore rien vu, francesa- y propuestas fílmicas, contienen como denominador común la escenficación de algo que podríamos llamar los territorios de la mente, que en algunos casos cabría también denominarlos escenarios del alma y en otros arquitecturas filmadas de las cavernas del cine. Aurora es la más exhuberante en lo visual, la más desatada y atrevida. Hace gala de una ciencia-ficción desbordante, comprometida con la búsqueda de nuevos caminos estéticos para elaborar viejos dilemas sobre el deseo, el amor y la muerte, lo que le lleva a no quedarse en la imaginería virtual hiperavanzada, sino a indagar en la intimidad, el sexo y el cuerpo, de la forma más táctil posible. No en vano se ha hecho con el Méliès de Oro a la mejor cinta fantástica europea del año. Bajo la premisa de un experimento neurocientífico que conectará el cerebro de Lukas, del equipo científico, con el de una paciente en coma, asistimos a ese territorio compartido de ambas conciencias, donde Lukas y el personaje excelentemente interpretado por Jurga Jutait, ponen en escena una cadena de situaciones en las que se verán desbordados por la atracción, la sexualidad, el miedo a la pérdida y la búsqueda desesperada de algún tipo de liberación ante la situación creada. Con esas carencias interiores en primer plano de diserción, construye el debutante Marçal Forès, formado en la factoría ESCAC, su ópera prima Animals, título que puede leerse en inglés o catalán, pues en la película se hablan ambos idiomas además de castellano. Emparentada con el cine independiente americano del corte de Gerry (Gus Van Sant, 2002), Donnie Darko (Richard Kelly, 2001) o Thumbsucker (Mike Mills, 2005) –por no citar La ciencia del revés, de M.Gondry-, Animals narra la historia de Pol, un adolescente que habla con su osito de peluche -que se mueve y le contesta-, mientras se enfrenta a la transición al mundo adulto en crisis con su orientación sexual y su lugar en el mundo. Se trata de un viaje iniciático hacia el mundo del deseo, del sexo y de la muerte, narrados desde una óptica cotidiana que se va volviendo progresivamente extraña, suspendida, atmosférica. El estimulante tratamiento sonoro, nutrido de texturas sostenidas así como de música pop, puntúa de forma onírica o efervescente una imagen suave que transita desde cierta luminosidad inicial, hacia una fotografía cada vez más sombría, con una paleta cromática formada por los colores del bosque, interrumpidos ocasionalmente por el rojo de la sangre, que mana siempre de manera inesperada. Se ha hecho hincapié en como Animals mezcla varios géneros con destreza en su seno, aunque algo resulta todavía más llamativo que la mezcolanza genérica, y es ese elemento central: el osito de peluche. Más allá de operar como símbolo de lo infantil, funciona como elemento de lo fantástico, transversal al mundo de los vivos y al mundo de los muertos. He aquí el territorio expandido del ser como de la persona: la fantasía, su fantasía. Territorio aquí defendido por Forès con su película, como frontera ambigua, no sólo entre la vida y la muerte, también entre el bien y el mal. El film consigue transmitir la desazón emocional de su personaje, captar el misterio de su tránsito, de su identidad líquida cuyas ondas de expansión reverberan por el paisaje, dramatizándolo con tino. El desarrollo es impecable, lúcido, pero el final de fiesta no está a la altura y causa dudas sobre la densidad de sus reflexiones. El apunte intertextual y siniestro sobre las matanzas en institutos y la resolución poco desarrollada que parece temer no hallar fuera de la tragedia una verdadera sabiduría, aflojan el hasta el momento bien rematado entramado fílmico, en una película cuya cinematografía se encuentra muy por encima de gran parte del cine español actual. Unos debutan y otros van cerrando su carrera, como es el caso del nonagenario Alain Resnais, cuya necesidad de hacer cine sigue siendo lo suficientemente fuerte como para embarcarse en proyectos tan autoreflexivos con el medio como Vous n’avez encore rien vu, quizás la más conceptual de las propuestas, la más intelectual, a la usanza de otra época, sin terreno para la sensorialidad emotiva hoy de moda, pero con espacio para toda la angustia existencial necesaria para la sacudida de los cimientos del espectador. Que nadie espere la película indulgente de un hombre mayor que reúne a buena parte de los grandes actores franceses del pasado y del presente para algo parecido a una última función. Resnais nos habla del amor y sus falacias, de los propios autoengaños en las relaciones de pareja, de las buenas intenciones opuestas a las verdaderas acciones. Cada escena cuenta una emoción distinta y de manera también muy diferente: la cámara cercana y orgánica que narra el descubrimiento erótico primitivo; la fría y grotesca aproximación al epicentro del coma a través de esa imborrable escena de la comida; la turbia, desenfocada y tendiente a la abstracción huída por el bosque… El gozo sensorial es inmenso en Aurora, y su historia es compacta. Bebe de aquella urgencia delirante de Olvídate de mí (Michel Gondry, 2004), del miedo abisal que definía Solaris (A. Tarkovsky (1972). Revisa las aportaciones de Kubrick, transita los géneros con pasmosa elegancia e hibrida nociones contemporáneas del mundo de la escena. La conciencia se convierte en territorio necesario a expandir cuando el mundo exterior se presenta como el actual. Cuando afuera se contrae, el ser humano hace crecer lo único que le queda: su interior. Allí, nos dice Aurora, se libran problemas contemporáneos, como la muerte del deseo de Lukas; carencias que configuran al ser humano, ese mismo que a su vez construye el mundo por el que luego se sientirá oprimido.
En este mirar hacia dentro de uno mismo y del propio cine, nos encontramos con escenas tan significativas como ver en pantalla partida a dos actores haciendo el mismo papel (primer y segunda generación de la obra), en un juego de yuxtaposiciones u oposiciones, que más allá de su valor “gramático” dentro de este trabajo sobre la representación, supone, igual que otros momentos, un secreto gozo en la observación de los intérpretes, la presentación de sus propias visiones sobre el trabajo, la exposición sus cuerpos y gestos mientras desempeñan su labor. Calidad, sorpresa y expansiones definen pues estos territorios fílmicos y mentales que encontramos en lo que está dando de sí esta nueva edición del Festival de Sitges. |
| ||||||||||||||
© 2024 Diario Siglo XXI. Periódico digital independiente, plural y abierto