“Neón Hand es una comedia, un musical muy divertido, muy ágil, muy delirante”

Joan Vázquez, actor, productor y músico, lleva ahora su última obra, “Neón Hand”, al Teatre Texas, un nuevo espacio que ilumina las novedades del mundo del espectáculo barcelonés. Joan, se acompaña, en este nuevo musical, de dos colegas, Xavier Mestres y Rai Borrell, son tres actores que cantan y bailan.

Explican una historia divertida donde se mezcla la ironía, el “thriller” y la conexión hacía el mundo interior, haciendo disfrutar al público.

La historia transcurre en Nueva York de la mano de la obra más aplaudida de Vázquez. “Paquito Forever”. Barcelona, Nueva York y su “Paquito”, están vivos durante ochenta minutos todos los fines de semana.

Es una comedia musical de pequeño formato, música en directo, un piano que suena todo el tiempo, con sorpresas que no vamos a desvelar. Hay que ver la obra para saber cómo se manejan en ella los tres actores entre la música, la risa, el misterio y la mano maestra de la directora, Roser Batalla, premiada con el Margarita Xirgu. Eso no lo tiene todo el mundo. Hay que gozarlo.

Neon Hand, es su nuevo espectáculo musical, ya no trabaja sólo en el escenario.

Esta es una producción mía, con tres actores en escena más un equipo de diez personas trabajando en este musical.

¿Por qué estamos ante un musical misterioso?

Me encantan las películas de policías y detectives de Manhattan, esta producción es un viaje por la creación y por eso en el musical hay un punto de intriga por la noche de Nueva York.

La historia central consiste en que dos actores viajan a Nueva York a presentar la obra “Paquito Forever”.

Un letrista y un compositor se van a hacer este “bolo” a Nueva York y cuando llegan se dan cuenta que se encuentran en el ambiente perfecto para crear un nuevo musical, entre lo que ven por las calles, los carteles iluminados, Broadway, y a raíz de eso se proponen escribir un musical, por una parte eso les motiva y por otra siguen con sus problemas porque, últimamente este letrista y el compositor, están enganchados en descifrar qué va primero si la letra o la música.

¿Sabemos esto?

Para gustos colores. En la obra dejamos que sea el público quien resuelva este tema, porque, como todas las parejas artísticas, son casi una pareja de hecho, discuten y se quieren mucho.

¿Es más que un musical?

Es un viaje en el que no te mueves, en frase de Buñuel, en realidad lo que haces es bucear en tú interior, a mí me pasa cuando cambio de ciudad o me voy de fin de semana, al estar fuera de mi lugar empiezan a aflorar sentimientos que hacía tiempo que guardaba y no veía claros. Los personajes de “Neon Hand”, cómo se someten a un escenario diferente, hay una montaña de aspectos de su relación y de sus vidas que caen por su propio peso, creo que el espectador ahí se podrá sentir identificado, este viaje es real, físico, pero también un viaje hacía la profundidad de uno mismo y principalmente hacía la creatividad y la creación.

¿Cuál es su personaje en la obra?

Mi personaje es Antón Vázquez, soy el letrista, Xavier Mestres, el compositor y hay un tercer personaje, que aparece por sorpresa, que es el director del espectáculo ficticio de “Paquito Forever”, es Rai Borrell, es quién ofrece en este trío una nueva mirada a la obra.

¿Por qué tres actores?

El espectáculo, es una ficción basada en un bolo que hicimos con mi compañía en Manhattan con el espectáculo de “Paquito Forever”, esto ocurrió de verdad, este musical juega todo el rato entre la realidad y la ficción, en esos momentos, en el equipo, éramos tres hombres, estuvimos en Nueva York unas semanas antes de la pandemia, eso fue muy fuerte, exactamente estuvimos con “Paquito Forever” en febrero de 2020, casi nos tenemos que quedar allí, esperando.

La directora de la obra es Roser Batalla, ¿cómo ha sido trabajar con ella?

Roser es una dama de teatro, le otorgaron el premio Margarita Xirgu hace pocos años y es alguien con quien tengo mucha confianza en los aspectos teatrales. La conocí hace muchos años cuando me daba clases de interpretación de canciones y tuve también la suerte de coincidir en el escenario con ella en el musical “Mamma mía”, y como “Neón Hand” es un viaje de intriga pero principalmente es una comedia muy divertida, muy ágil, muy delirante sabía que Roser le encontraría ese “tempo”, el dinamismo y el punto ácido, y así ha sido.

Roser, como directora, ¿ha reinterpretado el texto que usted ha escrito?

La mirada del director, en este caso directora, normalmente está considerada como muy omnipresente, de cualquier manera no deja de ser una lectura, en este caso es donde más he visto esta dinámica, un texto, escrito por mí, otra persona lo estaba reinterpretando, estaba haciendo su propia lectura y en algunos momentos le decía no ves esto u lo otro, y ella contestaba que no veía lo que le comentaba, y a veces, era al revés.

¿La directora les dejó opinar a ustedes tres?

Roser es muy receptiva con las ideas de los actores, obviamente la perspectiva vista desde fuera de la escena es muy necesaria, porque dentro pasan cosas que no te das cuenta que pasan, y la directora, en este caso, debe ser y es muy categórica para decir hacía adonde va la obra, ha sido muy generosa recibiendo nuestras propuestas y como yo también estoy en la parte de la producción de la obra hay ciertas cosas que las tuvimos que consensuar.

¿De este musical qué es lo que más gusta al público?

Todo el mundo destaca del primer cuadro, la comedia y la banda, el ritmo trepidante, en todas las funciones la gente ha reído mucho. A mí me gusta mucho la comedia, y saber que hay un público que ríe es de las cosas más excitantes de vivir en escena, el drama me gusta, pero es otra historia, la comedia es tan generosa y bonita que hace que los primero que nos dice el público es “cómo nos hemos reído”.

¿Es muy difícil interpretar comedia?

Merçe Comas, que está haciendo un espectáculo en el “Versus Teatre”, sobre su trayectoria explica que la Sardà le ofreció un papel para representar un espectáculo y le preguntó : “¿por qué me das este papel si yo soy una actriz de comedia y este papel es dramático?”, y la Sardà le contestó: “Yo sé que los buenos actores de comedia, pueden hacer drama, al revés no siempre es así”, y creo que tiene toda la razón porque la comedia tiene un tiempo, tienes que conectar con el público de una manera muy concreta.

¿Cuando escribe para quién lo hace?

Siempre para el espectador, me gusta experimentar sobre lo que a mí me gusta y poner a mis referentes y que sea una obra que a mí me gustaría ir a ver, aunque siempre pienso cómo irá el pulso del espectador para que sea algo que enganche, en definitiva, que guste.

¿Esta obra es su debut como compositor de musicales, cómo se atrevió a dar este paso?

Ha sido por necesidad, le propuse hacer la partitura a Gerard Alonso que es el compositor de “Paquito Forever”, ahora está trabajando mucho en grandes musicales y me iba dando largas en el buen sentido de la palabra, diciéndome que tenía muchas ganas de hacerlo, le encantaba la idea pero no tenía el momento para componer. Un día le dije, si me vuelves a decir que no será perfecto porque será la excusa para que me ponga a trabajar yo, y así fue, cuando interpreté el espectáculo de “Sondheim”, en el que tocaba el piano, mucha gente me decía: “si te puedes acompañar al piano por qué no escribes música”, había escrito muchas letras y no había hecho la música, no acababa de dar este paso, me daba mucho respeto, pensaba que no tendría inventiva y al pasar esta etapa de espera, cuando me senté al piano y empecé a probar, surgió y dije, bueno, ya está, y así fué este tema.

¿Qué le ha dicho Gerard?

Le ha gustado mucho, y a Xavi Mestres, que es quién interpreta algunas de las canciones que he escrito, también le gusta y así ya me quedé tranquilo, porque pensé que las personas que respeto y que comparto su criterio me han dado su bendición, y ya me quedé relajado.

¿El espectáculo “Sondheim” lo representó en Nueva York?

Sí, lo estuve interpretando en la bodega del mítico Studio 54.

¿Nueva York es su segunda ciudad?

Me encanta, también me gustan mucho Londres y París, a los 19 años fui a Nueva York por vez primera y me enamoró, has visto esta ciudad en tantas películas, es muy difícil que no vayas caminando por sus calles y en algún momento tengas la sensación de que allí ya has estado, pero nunca has estado, y te suena de verla en alguna película, estás en esta línea de realidad y ficción.

También le he visto la cara amarga, para ir allí a actuar fui con un visado para habilidades especiales de artista, alguien tiene que contratarte, contrato artístico en el que puedas acreditar que vas a hacer algo concreto, y con este contrato comienza el trámite en el que tú has de recopilar toda tu vida artística y personal, se presenta un dossier exhaustivo con todos tus datos, es un escrutinio absoluto, es diferente a cuando vas como turista, otra cosa es cuando tienes que lidiar con las estructuras americanas, Nueva York es una gran metrópoli, el dinero es un tema importante, tienes que tener dinero o si no, pasas a estar a un nivel de indigencia, esta ciudad saca lo mejor y lo peor de uno mismo.

¿Es actor, productor, autor de sus obras y músico, tiene detrás un imperio económico brutal o va tirando día a día?

Eso del imperio no lo veo. Siempre explico que soy profesor, mi trabajo es enseñar teatro musical desde hace muchos años, tengo mis alumnos de canto, trabajo en las escuelas de teatro de Barcelona dando clases de teatro musical y de canto y eso es vocacional, hace más de veinte años que me dedico a ello, siempre me ha gustado mucho hacerlo y me lo paso muy bien, trabajé también en grandes musicales y eso era un segundo trabajo, me iba muy bien, llegó un momento en que las historias que se explican en los grandes musicales, sin desmerecer a nadie, no eran las mismas que yo quería contar, y me decidí crear mis propias historias, y me dediqué a producir espectáculos de pequeño formato, humildes, pero me permiten contar lo que quiero en estos momentos, escribiendo, probando novedades y por lo tanto es más una cuestión de satisfacción personal que no empresarial.

¿Cree que la gente joven que viene a ver su espectáculo es más exigente que los espectadores de más edad?

Hay gente mayor que son grandes consumidores de teatro y de musicales. Una de las cosas de las que se queja el sector es que el público catalán y de Barcelona es gente mayor, la gente joven va poco al teatro, a no ser que se dediquen al mundo del teatro, que sean estudiantes de teatro o de algo relacionado con el arte, los jóvenes consumen poco teatro, el público habitual suele tener más de 40 años, especialmente en los musicales de pequeño formato, los grandes musicales llegan a más franjas de edad, ahora bien, los jóvenes, los nuevos talentos, estos sí que son muy exigentes en el buen sentido, las jóvenes generaciones suben muy ilusionadas con mucho criterio y con ganas.

Están en el Teatre Texas, un espacio nuevo en Barcelona.

Si, es la segunda temporada en la que trabajo allí, la temporada anterior estuve interpretando “Ocaña, Reina de las Ramblas”, hicimos en el Texas una pequeña temporada después de estar años llevando esta obra por otros teatros de la ciudad. El Texas ahora, en esta segunda temporada, está fidelizando público y está en el mapa del mundo del espectáculo, es un espacio donde es muy agradable trabajar, porque el público tiene a su alcance diferentes espacios donde pasarlo bien, puedes estar en el bar tomando una copa y decidir si quieres ir a ver una película, o ver una obra de teatro, el Texas permite al público estar allí y decidir qué hacer, qué ver en un momento, el local es agradable, tiene un punto muy nocturno, la sala tiene dos gradas y por lo tanto el escenario queda muy cerca del público.

¿Es terrible trabajar tan sólo los sábados y domingos?

¿Lo dice por qué es cuándo la gente descansa?, muchas salas optan por la multiprogramación, por un lado, es bueno porque así se permite que muchas compañías tengamos la opción de tener un espacio para mostrar nuestros trabajos y por otro lado, en plan negativo, es que no se puede estar mucho tiempo en un teatro y por lo tanto la gente, a veces, cuando sólo estás dos días a la semana, no encuentra el momento para venir a verte, sea como sea, la industria está yendo hacía este sistema, son cada vez más los teatros que hacen multiprogramación.